miércoles, 23 de octubre de 2013

Estilos de canto

Existen múltiples estilos de canto pero los cuatro que se van a trabajar en este curso son:


  • Estrófico: un sonido para muchas sílabas
  • Silábico: con altibajos que se suceden unos a otros.
  • Neumático: entre cuatro y cinco sonidos por sílaba.
  • Melismático: muchos sonidos por silaba.


CUALIDADES DEL SONIDO
-Altura:
       *Grave
       *Agudo.
Los sonidos son agudos o graves en función de con qué lo comparemos.El umbral del oido humano esta entre 20 Hz y 20.000 Hz.

- Intensidad: En función de la intensidad puede ser forte o piano y estos a su vez pueden ser súbito o progresivo.

- Duración

- Color / Timbre

-  Sonido: Es el sonido puro y los armónicos que lo revisten.

Las dinámicas mediante el movimiento

Al llegar a clase el profesor escribe con figuras musicales los ritmos de las cuatro últimas voces de la samba para que los copiemos. Es importante que todas las voces estén bien escritas unas con las otras para que pueda interpretarse correctamente.

Después mencionamos las cuatro cualidades del sonido: color, altura, duración e intensidad.

NOS MOVEMOS CON LAS DINÁMICAS 

El profesor puso una pieza de Mozart (Suite FÜR Streichorchester: Badinerie) y empezó a caminar por el estilo. Tras analizar su actuación pudimos apreciar que andaba con pasos largos cuando la música era forte y pequeños cuando era piano. También pudimos apreciar que cuando había crescendos iba aumentando progresivamente la longitud de los pasos y que en el diminuendo final pasaba lo contrario. Mediante esta actividad los alumnos aprenden también a sentir el pulso y el concepto de comienzo y fin. 

La intensidad: piano (p) y forte (f).

La dinámica (del griego quiné: movimiento) es el movimiento para pasar de una intensidad a otra. 

  • Súbitamente: f-p, p-f. 
  • Progresivamente: crescendo (<) y diminuendo (>). 

DICTADO DE DINÁMICAS 


f p <f               p <f p 
f p <f               p<f p 
p (amagos de crecer)  <f>p  

Tiene cinco partes que se pueden representar en un pentágono y recorrer las partes del pentágono dibujado. Los lados serán proporcionales a la duración de cada parte y las partes que sean iguales se representaran con el mismo color.  

Con estas actividades conseguimos una interiorización del pulso, fomentar la seguridad individual de los alumnos, trabajar los desplazamientos (inteligencia quinestésica) y aprender una forma musical mediante un pentágono (inteligencia lógico-matemática). 


BIBLIOGRAFÍA 


  • "El cerebro creó al hombre" A. Damasio. 
  • "¿Quién manda aquí?" Michael S. Gazzaniga. 
  • "Continuum" 
  • "El cererbro infantil: la gran oportunidad" José Antonio Marina. 
  • "El secreto de la creatividad" Robert y Michele Root. 
  • "El Elemento" Ken Robinson. 
  • "La educación musical para el nuevo milenio" David K. Lines. 
  • "La comprensión musical de las estéticas del s. XX en el niño" Enrique Martínez Ruiz. 
  • "Neurociencia y educación" Tomás Ortiz.

martes, 22 de octubre de 2013

Música desde la India

En un tratado sobre las artes escénicas que data de antes del S.V, se comienza a escribir diferentes sistemas de entonación como el RAGA (define las composiciones de la música clásica de la india) y habla también de escalas y de las notas que las forman para hacer música aunque no las nombra como tal.
Más adelante hay otro teórico del S.IX  Bharata y Matanga que ya menciona la palabra “raga” que se sigue empleando con el mismo significado hoy en día.  Este teórico  relaciona las notas del raga con un sistema metafísico, relacionándolo con los sentimientos, la astronomía, las estaciones, algo que es cosustancial a la filosofía del raga ya que se relaciona con los estados de ánimo. Se cultivaba en los templos y en las cortes. La música acompañaba al príncipe durante el día y la noche.
Los ragas se distinguen en función de la escala, que varía según la zona de la india. En la música tonal occidental solo se usan dos, la escala mayor y la menor. Hay más de 65.000 ragas como el Bageshri (raga de la tarde para la enamorada que espera a su amado) Escrito en una escala en si bemol.
Los indios tienen un solfeo a base de sílabas que puede ser ascendente, tal y como están nombrados en anterioridad, o en una de las múltiples posibilidades descendentes. La escala descendente realiza altibajos y varía. La escala ascendente la llaman Aroh y la descendente Arroh. Un raga de reglamento dura aproximadamente entre  una hora y media y dos horas.
“Himno al dios” dentro de un raga, dentro del estilo DRUPAD que consiste en la utilización de textos religiosos, excesivamente ornamentado, frente al estilo KHYAL. Este último llega a la india por los persas durante su conquista.
Los músicos aprovechan esta coyuntura para dar un salto social, pasando de una escala social baja a una más alta y se adaptan al gusto de los príncipes persas, llena de florituras, escalas y arpegios, que fue lo que dio lugar al estilo KHYAL.
En la segunda audición las escalas han sido completamente frenéticas como marca el estilo KHYAL, no hay un texto devocional. Es un estilo que ha pasado mucho al terreno instrumental y se considera como un instrumento adecuado para música clásica. (Sharangi) La primera escala que es ALAP en la que el solista expone solo dos notas o tres y las va permutando mientras incluye otras escalas. (ALAP = secciones largas con permutaciones según las escalas que se permiten en un RAGA) La última parte es la conocida como GAT y es cuando aparece la percusión, es la parte más animada, el tambor marca el ritmo y una profunda aceleración en las partes finales.
Otro elemento fundamental en la música india es el TALA que es el ritmo en el que se interpreta un RAGA en un preciso momento. Si es un ciclo de 7 pulsaciones se mantiene hasta el final, es decir, se perpetúa. En la India del norte se acelera y en la India del sur se mantiene, pueden ir de 3 a 108 pulsaciones. Los más comunes son de entre seis y dieciséis pulsaciones.
El percusionista y el solista no se ponen de acuerdo con el TALA que van a tocar pero si están de acuerdo con el RAGA. La música de India del norte es completamente improvisada, aunque existe una tradición detrás, es como improvisar sobre los acordes del blues (salvando las distancias.) La diferencia entre un TALA y nuestro compás es el tamaño que puede tener.
Durante el periodo islámico es cuando se separan más el norte y el sur.


Posteriormente sufrieron la invasión de los ingleses, en el S.XIX, a los ingleses les parece una música horrorosa y monstruosa. Acabaron con las cortes, convirtiendo a los músicos en paria que deberían pedir limosna. Tras este periodo, cuando logran la independencia y cuando  aparece la radio tiene lugar un boom  de nuevo aunque últimamente con el Boollywood comienza a perderse su tradición. 

Conceptos básico de lenguaje musical 2

TRESILLO 

Se trata de un grupo de tres notas que equivalen a dos tiempos. Se representa de la siguiente manera:  


 



ALTERACIONES

Son signos que modifican la altura de las notas. Hay tres alteraciones diferentes:
  •  Sostenido: sube medio tono a la nota. 
  • Bemol: baja medio todo a la nota.
  •  Becuadro: anula el efecto del bemol y el sostenido. 
Se colocan delante de las notas y sobre la misma línea o espacio que ocupan las notas en el pentagrama. 



DOBLE BARRA CON DOS PUNTOS

Aparecen a lo largo de una obra musical o al final e indica que se debe repetir el fragmento que comprende entre el inicio hasta la doble barra con dos puntos.
Si van colocados después de la doble barra habría que buscar más adelante otros que vayan colocados delante de la doble barra, el espacio que delimitan es lo que se debe repetir.  


Las indicaciones primera y segunda vez  indican, que al repetir, se debe omitir la parte señalada con 1ª y pasar directamente a la 2ª.


EL CUERPO COMO SONIDO 

Producimos sonidos con la voz, las manos, la boca, los pies, los dedos… y también percutiendo unas partes del cuerpo con otras. Estos sonidos pueden presentar matices. 
Los sonidos producidos por el cuerpo son involuntarios como la risa o la respiración, o voluntarios como cantar o dar palmas.
La voz es el instrumento más natural aunque la mayor dificultad es entonar bien.


Las posibilidades sonoras de un globo

En esta sesión empezamos haciendo un ejercicio con globos. El profesor dijo explícitamente que no debíamos realizar ningún ruido humano, en el aula sólo debían haber sonidos de globos. Esto es muy difícil de lograr y, aunque fuimos mejorando según trascurría la sesión, no fuimos capaces de conseguirlo del todo. 

La primera actividad consistía en percutir el globo a la vez que el profesor percutía el pandero. Después, debíamos percutir el globo con manos alternas y más tarde, podíamos percutir en los silencios los globos del resto de los compañeros sin descuidar nuestro globo y respetando las anteriores reglas. En esta actividad el mayor problema fue la falta de respeto hacia las normas establecidas y la emisión de gritos y risas durante el trascurso de la actividad. También cabe destacar que el pulso que marcaba el pandero iba acelerándose y retardándose durante la actividad. 

A continuación, nos colocamos todo el grupo en círculo y escuchamos y observamos un ritmo que realizó el profesor pellizcando un globo. El ritmo tenía dos sonidos diferentes debido a la diferencia de tensión de la goma del globo. Al principio intentamos imitar el ritmo que había realizado el profesor adquiriendo una cierta destreza con la práctica. Después, realizó diferentes ritmos solo, para que entráramos en el momento exacto con el ritmo que ya habíamos aprendido. Costó bastante sincronizarnos para entrar en el momento exacto. 

Más tarde, recreamos un fusilamiento mediante la explosión de los globos. Los globos se explotaron por colores: azul, verde, rojo, amarillo, naranja, violeta y el resto de colores.




REFLEXIONAMOS SOBRE LA SESIÓN 
  • El aula debe ser un lugar de ritual, si las cosas son importantes para nosotros lo serán también para nuestros alumnos.  
  • La música es un medio para desarrollar las inteligencias múltiples. 
  • Los niños piensan que las actividades como las que hemos realizado durante esta sesión son un juego, pero nosotros no las pensamos como juegos. Nosotros no jugamos con los niños, les educamos.  

1. PRIMERA ACTIVIDAD (PERCUTIMOS EL GLOBO):   
  • Para realizar esta actividad lo primero será inflar el globo. En el primer ciclo hay que tener cuidado porque se pueden comer el globo así que podemos tener los globos ya preparados. En el resto de ciclos pueden probar a hincharlos. 
  • Después los alumnos podrán explorar las posibilidades sonoras de un globo. 
  • Mediante la percusión del globo cuando suena el pandero fomentamos el desarrollo de la inteligencia quinestésica y la disciplina ("obediencia"). 
  • Al hacer que los alumnos alternen las manos para percutir el globo fomentamos la inteligencia quinestésica, en especial la lateralidad. También favorece al desarrollo de la memoria ya que tienen que recordar con que mano han percutido la última vez. 
  • Al cambiar el tempo del pandero hacemos a los alumnos reflexionar sobre el estímulo favoreciendo así a que no permanezca la memoria motriz y manteniendo la atención de los alumnos. 
  • Se trabaja la inteligencia espacial y la anticipación. 
  • La variante que ofrece la posibilidad a los alumnos de percutir otros globos cuando no suena el pandero fomenta la inteligencia interpersonal y la emocional. Sin embargo en los dos primeros ciclos deberemos cambiar esta variante para evitar problemas violentos entre los alumnos. Podemos cambiar esta actividad por dar palmadas, agacharse... pero deben respetar el resto de las reglas. 

2. SEGUNDA ACTIVIDAD (PATRÓN RÍTMICO CON UN GLOBO):

  • En esta actividad podemos jugar con los errores. El profesor al repetir el ritmo se equivoca y los alumnos deben darse cuenta del fallo. "No puede haber docencia sin pasión y provocación" Jose Luis Sampedro. 
  • Los alumnos se sienten más seguros realizando la actividad de forma colectiva. Al niño que vea el profesor que tiene ganas sale a hacer un solo con el profesor. Por último irían tocando solos todos los niños solos, toca el profesor y luego el niño y así hasta que todos los alumnos hayan tocado individualmente. 
  • "Se nace musical" Tafuri: el objetivo es que los niños quieran hacerlo, no que lo hagan bien. 
  • Se trabaja la motricidad fina. 
  • Se estimulan los neurorreceptores de las yemas de los dedos.  
  • En la parte en la que se cambia el ritmo sobre la misma base rítmica se trabaja el imaginario de los alumnos. 
3. TERCERA ACTIVIDAD (RECREAMOS UN FUSILAMIENTO CON GLOBOS): 

  • Mediante esta actividad trabajamos la inteligencia emocional. 
  • Se intenta tratar la muerte como parte de la vida y aboliendo el tabú social de la muerte. 

TRABAJAMOS SOBRE LA SAMBA  

La octava voz la realizará el pandero. El pandero al ser un instrumento de membrana se percute en unos de los cuartos imaginarios en el que se divide la membrana y haciendo que la baqueta rebote. 

La séptima voz la realizará las claves que deben colocarse sobre las uñas para crear una caja de resonancia. 

La sexta voz la realizará los bongos los cuales se apoyan en los gemelos y se deben percutir alternamente en el aro (este instrumento es para el último ciclo porque pesan mucho). 

La quinta voz la realizará el güiro o la sonaja de aros.

domingo, 13 de octubre de 2013

Conceptos básicos de lenguaje musical y dictado de alturas

ESQUEMA FORMAL  DE UNA PIEZA MUSICAL  

  • Periodo 
  • Frase 
  • Célula rítmica 
  • Grupo rítmico 

INTERVALOS 

Un intervalo es la distancia de entonación que separa a dos sonidos distantes. Estos pueden ser: 
  • Ascendentes. 
  • Descendentes. 
(En un intervalo de 8ª se repite la misma nota con el doble de herzios, que son las ondas por minuto).



COMPÁS  

El compás es la medida que se toma como unidad para dividir una obra musical en fragmentos de igual duración, tiempos o partes.

Hay tres tipos de compases según si número de partes:

  • Binarios  
  • Ternarios 
  • Cuaternarios 

Y dos tipos según su subdivisión:

  • Simples: de subdivisión binaria (las partes se dividen en mitades). 
  • Compuestos: de subdivisión ternaria (las partes se dividen en tercios).  


PUNTILLO  

El puntillo se sitúa a la derecha de la figura musical a la que acompaña y aumenta la mitad de la duración de dicha figura.  



LIGADURA 

Es una línea curva que une dos o más notas con el mismo nombre y sonido.  



¡¡CUIDADO!!: NO CONFUNDIR CON LA LIGADURA DE EXPRESIÓN QUE SIRVE PARA ARTICULAR VARIAS NOTAS EN LEGATO.  



CALDERÓN 

Es un semicírculo con un punto en medio que se coloca encima o debajo de una figura o silencio. Prolonga la duración de la figura o silencio, suspendiendo momentáneamente el compás. Esta suspensión es libre, realizándose a gusto del intérprete.  



"CAMPANITAS" 

Seguimos con la interpretación de la canción "Campanitas" (basado en el método Suzuki). Para la interpretación utilizamos flautas, xilófonos, metalófonos, crótalos. triángulos, sonajas...   


DICTADO MUSICAL DE ALTURAS 

En la última parte de la clase realizamos un dictado de alturas combinando las notas: Do (central) - Sol - Do (una octava más agudo). Pero al hacer el dictado sólo reconocimos entre sonido grave, medio y agudo.


sábado, 12 de octubre de 2013

Encaje silábico y cuatro voces de la samba

En esta sesión se explicó en que consiste el encaje silábico. El encaje silábico consiste en adaptar el ritmo a una frase o viceversa respetando las partes fuertes y débiles de las palabras y del ritmo.

Ejemplos:


 
A continuación se mostró el ritmo con el que, por grupos, debíamos hacer un encaje sílábico.

  SAMBA A OCHO VOCES 

Aprendimos mediante frases las cuatro últimas voces de una samba. A continuación se muestran las diferentes frases: 

8ª VOZ:  UN DOS TRES TA-RU-GO 

7ª VOZ: POR FIN YA_ES-TÁ_A-QUÍ 

6ª VOZ: JUAN, YO SOY LUIS, YO SOY JUAN, YO SOY LUIS 

5ª VOZ: TI- TI- CA-CA TI- TI- CA-CA



Conceptos básicos de lenguaje musical e interpretación de "Campanitas"

PENTAGRAMA  

Es un conjunto de cinco líneas equidistantes y los cuatro espacios correspondientes. Se numeran de abajo a arriba.   



CLAVES  

Son unos signos que se colocan justo al principio del pentagrama y que dan nombre a los sonidos. Hay tres signos diferentes: Clave de Sol, Clave de Fa y Clave de Do. Empezando en la nota que da nombre a la clave según su colocación en el pentagrama, se nombran el resto de las notas por orden ascendente o descendente.

 

NOTAS MUSICALES

Son signos que indican la altura de los sonidos. Hay siete notas diferentes: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si.  




CIFRADO AMERICANO O SISTEMA GERMANO-INGLÉS  



ÁRBOL DE LAS FIGURAS  

Las figuras son signos que indican la duración de los sonidos. 



LÍNEAS ADICIONALES 

Son unas rayas pequeñas que se colocan encima o debajo del pentagrama y sirven para escribir aquellos sonidos que por ser demasiado agudos o graves no caben en el pentagrama. 


Primera clase de los viernes

En esta sesión hablamos de cómo va a ser la dinámica de clase. Vamos a tener que trabajar en grupos de 6 personas y cada poco tiempo tendremos tutorías con el profesor.

En la última parte de la tarde intentamos definir entre todos el concepto de música y al final concluimos diciendo que la música es la comprensión del movimiento planetario, la música sólo es la proyección.


La música, los musicogramas y los principales pedagogos musicales

Definimos la música como el arte de combinar los sonidos con el tiempo.

Con los niños podemos representar la música mediante musicogramas, representando la duración y la altura de los sonidos.
  


PRINCIPALES PEDAGOGOS MUSICALES 


  • Émile-Jacques Dalcroze  (1865-1950)
Fue un pedagogo y compositor suizo. Este autor estaba en contra de la ejercitación mecánica del aprendizaje de la música así que  elaboró un conjunto de actividades para la educación del oído y para el desarrollo de la percepción del ritmo a través del movimiento. Mediante estas actividades los niños marcaban el compás con los brazos y daban pasos de acuerdo con el valor de las notas, mientras él improvisaba en el piano.

Dalcroze concluyó que el cuerpo humano por su capacidad para el movimiento rítmico, traduce el ritmo en movimiento y de esta manera puede identificarse con los sonidos musicales y experimentarlos intrínsecamente. Así consiguió que sus alumnos realizaran acentos, pausas, accelerandos, crescendos, contrastes rítmicos, etc.   


  • Carl Orff (1895-1982)
Compositor alemán que elaboró un sistema de educación musical basado en el ritmo.  Su metodología  se basa en la relación del ritmo y el lenguaje, haciendo sentir la música antes de aprenderla: a nivel vocal, instrumental, verbal y corporal.  

A partir de la palabra, Orff construía ritmos que los niños debían reproducir. Después, poco a poco, esos ritmos pasaban a ser percutidos en el cuerpo, la llamada "percusión corporal". Una vez que habían afianzado los ritmos de las anteriores maneras, pasaban progresivamente a interpretarlos a la pequeña percusión instrumental. Esta pequeña percusión instrumental se denomina "Instrumentarium Orff". Orff adaptó los grandes instrumentos de percusión orquestal, como el vibráfono o la marimba, para los niños creando así los carillones, los xilófonos, los metalófonos...  


  • Zoltan Kodály (1882-1967)
Compositor, pedagogo, musicólogo y folclorista húngaro.  El método Kodály se basa en la lecto-escritura, en las sílabas rítmicas, la fononimia y el solfeo relativo. Relaciona cada figura y su valor con una sílaba obteniendo una cierta agilidad o lentitud dependiendo de la sílaba. También crea un sistema para representar la altura de los sonidos mediante diferentes posturas y movimiento de manos.  


  • Edgar Willems(1890-1978) 

Edgar Willems aborda la pedagogía musical desde el punto de vista psicológico, ya que él era psicólogo. Sus actividades están centradas en el juego mediante el cual descubre ritmos interiores e investiga los planos instintivos, afectivos y mentales del niño. Willems propone unas fases fundamentales que deben trabajarse en las clases de música, durando cada fase aproximadamente entre tres cuartos de hora y una hora:   


   1. Desarrollo sensorial auditivo.
    2.  Desarrollo del instinto rítmico.
    3.  Canciones elegidas pedagógicamente.
    4.  Desarrollo de “tempo” y del “carácter” mediante marchas. 


  • Shinichi Suzuki (1898-1998)
Violinista, educador, filósofo japonés. Ejerció una profunda influencia en la educación de su país y en otros lugares del mundo.  

En el método Suzuki los niños aprenden música con naturalidad del mismo modo que aprenden su lengua materna. Todos los niños, sin importar la cultura, aprenden del mismo modo: primero escuchando, luego imitando, después repitiendo. Todo niño tiene la habilidad de aprender su propio ritmo y estado de desarrollo. El niños aprende cuando se le ha animado y se le ha dado refuerzo positivo. 


En este método los padres y el maestro trabajan conjuntamente con el niño. Esto crea un triángulo de aprendizaje en el que cada persona tiene una influencia continuada sobre las demás mientras el niño crece y se desarrolla a través de la música. 




Bienvenidos

En este blog vamos a publicar los apuntes que vayamos tomando durante las sesiones de la asignatura "Música en Primaria" del grupo 372, Grado de Magisterio en Primaria de la Universidad Autónoma de Madrid.